Ars sonora

Dedicamos esta edición de Ars Sonora a repasar algunas de las novedades editoriales más destacadas aparecidas en los últimos meses. Los títulos que analizamos, publicados en inglés, reflejan algunas de las tendencias más destacadas en cuanto a las líneas de pensamiento en el ámbito del arte sonoro o, más ampliamente, el campo de los "estudios sonoros" o "estudios aurales" (varios de los textos revisados parecen confirmar, de hecho, que la denominación anglosajona "sound studies" se ha impuesto frente a la "aural studies"). Comenzamos con dos libros, publicados por la editorial Phaidon, no necesariamente destinados a un público especializado en el arte sonoro o la música experimental. El primero, firmado por la historiadora del arte Beverly Twitchell lleva por título "Bertoia: The Metal Worker", y está dedicado a la figura del artista multidisciplinar Harry Bertoia (1915-1978), de cuyas esculturas sonoras escuchamos varias grabaciones. El otro volumen editado por Phaidon que reseñamos se titula "Hi-Fi. The History of High-End Audio Design", es obra del audiófilo Gideon Schwartz, y repasa -en unas trescientas páginas llenas de fascinantes imágenes- la historia y la evolución de los equipos de reproducción de sonido de alta fidelidad, desde sus orígenes hasta nuestros días. También comentamos "Unsound:Undead", una obra colectiva editada por Steve Goodman, Toby Heys y Eleni Ikoniadou para MIT Press que investiga el potencial de los sonidos, los infrasonidos y los ultrasonidos para acceder a zonas de transmisión anómalas entre el reino de los vivos y el de los muertos. Con este punto de partida, los múltiples colaboradores en este trabajo escriben breves artículos que rastrean fenómenos tan antiguos como el canto de las sirenas relatado por Homero en "La odisea", o tan futuristas como las tecnologías holosónicas que se popularizarán dentro de treinta años. El campo de la filosofía de la música, que -después de extender su objeto de análisis al sonido en general- está conociendo un tremendo auge en los últimos años, ha recibido un fuerte impulso con el último libro de Christoph Cox. Partiendo de los presupuestos propios del materialismo filosófico, en "Sonic Flux: Sound, Art, and Metaphysics" (publicado por University of Chicago Press) revisa el legado de Pierre Schaeffer, John Cage, Maryanne Amacher, Max Neuhaus y otros pioneros de la experimentación sonora desde una novedosa y provocadora perspectiva, considerando a esos artistas y a sus herederos no solamente como compositores, sino también como filósofos que piensan con sonidos. Al igual que en otras ediciones de Ars Sonora dedicadas a repasar el panorama bibliográfico en estos últimos años, las publicaciones de la editorial Bloomsbury vuelven a ocupar un lugar privilegiado dentro de nuestra selección. La clarividente audacia revelada por estos valientes editores en un catálogo que ya está plagado de clásicos continúa generando envidia desde otros contextos culturales distintos del anglosajón. Así, las perspectivas filosóficas que sostienen el libro "Immanence and Immersion. On the Acoustic Condition in Contemporary Art", de Will Schrimshaw, o la experimentación literaria (que, por cierto, incluye amplias referencias sobre el sonido en el cine de Val del Omar) propia de un texto tan sugerente como "Amplifications. Poetic Migration, Auditory Memory", de Paul Carter, dialogan en el mencionado catálogo de Bloomsbury con trabajos que exploran las relaciones del arte sonoro con otras disciplinas, como el cine documental ("Vocal Projections. Voices in Documentary", editado por Maria Pramaggiore y Annabelle Honess Roe) o el teatro contemporáneo ("Theory for Theatre Studies: Sound", de Susan Bennett). La misma editorial también ha publicado en los últimos meses otros dos títulos que merecen una particular atención en nuestro espacio. "Critical Approaches to the Production of Music and Sound" (editado por Samantha Bennett y Eliot Bates) recoge dieciséis textos de reputados ensayistas procedentes de campos como la composición musical, la ingeniería de sonido, la antropología o las ciencias de la comunicación, quienes se preguntan acerca de la producción de sonido y música y sus diversos condicionantes. Por otra parte, la artista sonora e investigadora Cathy van Eck firma el original libro titulado "Between Air and Electricity. Microphones and Loudspeakers as Musical Instruments", otro buen ejemplo que debería animar a las editoriales españolas a que avancen con valentía en un camino tan fértil y prometedor como el relacionado con una actividad muy parecida a la lectura: la escucha. Las audiciones que complementan estos comentarios incluyen, además de los registros de las esculturas sonoras de Harry Bertoia, varios fragmentos de la "Symphonie pour un homme seul" de Pierre Schaeffer y Pierre Henry, un extracto de la banda sonora de "Aguaespejo granadino" de José Val del Omar y, para terminar, "Nothing is real" de Alvin Lucier (en la interpretación del pianista y percusionista Matthias Kaul).

Presentamos "José Iges. Autorretratos", una exposición que se puede disfrutar hasta el 5 de enero de 2020 en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), institución inaugurada a finales de 2016 en la ciudad de Córdoba. Para ello dialogamos con el protagonista de esta muestra, José Iges (que, además de uno de los artistas sonoros más destacados en el panorama español, también se ha desempeñado brillantemente como teórico y comisario, y en 1985 fundó este mismo programa, Ars Sonora, junto a Francisco Felipe). Nos acompañan, también, Alicia Murría -comisaria de la exposición- y Álvaro Rodríguez Fominaya, director artístico del C3A. Esta propuesta expositiva, que se extiende a través de varias de las amplias salas del edificio concebido por los arquitectos Enrique Sobejano y Fuensanta Nieto, incorpora videoacciones, obra gráfica, ediciones y partituras impresas en espejo, con la creación sonora como trama destacada. El propio autor la presenta con estas palabras: "El hilo común que reúne las obras de este proyecto es el carácter autobiográfico que todas ellas poseen de un modo u otro. Secundariamente, ese carácter se enfatiza en ocasiones con la puesta en juego de viejos objetos, que poseen también por ello su propia biografía: es el reverso de los ready-made, justamente porque no estamos ante meros artículos producidos en serie para su uso cotidiano, sino que están personalizados por su vida útil". En la conversación, Álvaro Rodríguez Fominaya explica cómo esta exposición dialoga con el resto de propuestas que nutren la programación del centro que dirige, donde el arte sonoro y la música experimental gozan de un notable protagonismo, también a través de la serie de conciertos y performances que periódicamente se celebran en el espacio conocido como "Caja Negra". Por su parte, Alicia Murría nos describe la génesis y la evolución del proyecto, señalando sus objetivos en tanto comisaria: "Rasgo dominante en esta sucesión de trabajos es la manera en que cada elemento se imbrica en un discurso unitario, pues, aunque las obras funcionen en solitario, cada una se apoya en las otras y adquiere su dimensión como parte de un gran puzle donde ningún elemento resulta casual o anecdótico, sino que todo se orquesta de manera que unas piezas tienen su razón de ser como extensiones de las otras, conformando un paisaje común que 'retrata' a José Iges y que, de algún modo, nos implica y nos hace cómplices en ese retrato". El diálogo con los tres invitados se complementa con la escucha de algunas de las obras presentadas en la muestra -o de documentación sonora de las mismas, cuando se trata de instalaciones u obras audiovisuales-. Éstas incluyen, entre otras, y en la descripción del propio autor, "'El retorno de Ulises': una vieja maleta 'tuneada' con chapas y fragmentos de planos, a través de la cual podemos escuchar obras de la serie 'Dedicatorias', relacionadas con el viaje y el paisaje sonoro. O también los viejos portafotos que acogen los 'selfies' de la nueva instalación 'Fondo Ilusorio de Espejos'". José Iges nos ofrece descripciones y comentarios de las diferentes creaciones reunidas en esta importante exposición, la primera dedicada con carácter monográfico a un artista sonoro español por parte de una institución de la envergadura del C3A cordobés

Continuamos nuestro doble monográfico dedicado a explorar algunas relaciones entre los medios electrónicos y los sonidos de percusión. Centrándonos ahora en un contexto europeo, pero recogiendo algunos de los ecos americanos que protagonizaron la emisión de la pasada semana, iniciamos este viaje con la música de un compositor argentino (nacido en La Plata en 1952) radicado desde hace décadas en París, Daniel Teruggi. En los estudios del GRM (Groupe de Recherches Musicales), que actualmente dirige el propio Teruggi, se desarrolló a principios de los años noventa del pasado siglo el Syter, un dispositivo que permitía aplicar en tiempo real algunos procesos de transformación del sonido propios de la música concreta desarrollada por Pierre Schaeffer en esa misma institución desde finales de los años cuarenta. El Syter, interpretado por el propio autor, se combina en “Syrcus” —de la que presentamos varios fragmentos— con las percusiones interpretadas por Florent Jodelet (a cargo de boobams y tambores udu africanos). Más cerca de nosotros, el compositor Andrés Lewin-Richter (nacido en Miranda de Ebro en 1937) nos propone una obra en la que los sonidos electroacústicos no están presentes directamente, pero sí constituyen un elemento fundamental del proceso compositivo. La pieza “Flauta-Metall” nos llega en la interpretación de Pilar Subirà, en la percusión, y Joan Izquierdo en la flauta dulce. Tampoco es convencional el uso de la percusión en la composición de Jonathan Harvey que incorporamos en nuestro panorama, si bien el sonido de la campana tenor de la catedral de Winchester sin duda debe clasificarse dentro de esa categoría. Transformados electrónicamente conforme a los principios del espectralismo, esos tañidos se metamorfosean en la voz de un adolescente en “Mortuos plango, vivos voco”. Este repaso —siempre parcial y tentativo— a un inacabable repertorio concluye con una obra del compositor ecuatoriano (si bien se trasladó a Alemania en su juventud) Mesías Maiguashca. Un fragmento final de sus “FMelodies II”, para cello (Gaby Schumacher), percusión (Peter Klinkenberg) y cinta magnética nos ofrece una aproximación a otro tipo de síntesis de sonido: la que se basa en la modulación de frecuencia (también llamada síntesis FM, de ahí el título de la obra)

En esta edición de  Ars Sonora  presentamos una selección de trabajos que exploran las relaciones entre los medios electrónicos y los sonidos de percusión. Estas composiciones, que pertenecen a diferentes momentos de la historia de la música reciente, de hecho nos pueden servir para recorrer algunas de las líneas de fuerza de esa historia, así como para detectar tanto algunos saltos como ciertas continuidades (bien estéticas, bien tecnológicas) que quizá conviertan esa historia en, más bien, una serie de pequeñas historias, todas ellas apasionantes. Los vínculos que trazó Karlheinz Stockhausen entre los sonidos electrónicos grabados en cinta y los timbres percusivos (porque también los que genera el piano podrían considerarse así) en su ya clásica obra, apropiadamente titulada “Kontakte” (1959/60), inician un trayecto que se prolongará durante dos emisiones monográficas. Presentamos una grabación histórica, con Christoph Caskel en la percusión y David Tudor en el piano y, de nuevo, la percusión. De la “elektronische Musik” germana pasamos a la “Computer Music” estadounidense. Los planteamientos conceptuales del serialismo integral se revelaron imprescindibles en el surgimiento de la música generada por ordenador. Escuchamos dos muestras de ello en sendas composiciones de Ercolino Ferretti: “Pipe and Drum” (1963) y “Trio” (1965). Continuando en la costa este de los Estados Unidos, pero tanteando otro registro del repertorio que aúna percusión y electrónica, escuchamos el segundo movimiento de “Against the Silence” (1985/86), de Thomas DeLio, en la versión del conjunto de percusión de la Universidad de Nuevo México (dirigido por Christopher Shultis) y con Clark Griffith en el piano. Finalmente nos desplazamos, dentro del mismo país, un poco al oeste, pues en la ciudad de Ann Arbor, en el estado de Michigan, el compositor Gordon Mumma fundó a principios de los años sesenta del pasado siglo el Festival ONCE, junto a Robert Ashley, George Cacioppo, Roger Reynolds y Donald Scavarda. Las obras allí presentadas a menudo empleaban la electrónica en vivo, e incorporaban elementos performativos y escénicos, actuando a menudo los propios compositores como intérpretes. Es el caso de “Meanwhile, a Twopiece” (1961), interpretada por su autor —Gordon Mumma— en la trompa y la percusión, y por Robert Ashley en el piano y la percusión. A ellos se suman los sonidos electrónicos en cinta magnética