Ars sonora

Mark André nació en 1964 en París, si bien reside -y centra buena parte de su actividad como compositor- en Alemania. Esta dualidad entre su origen francés y su atracción por el contexto cultural germánico se manifiesta incluso en la grafía del nombre del compositor, que en el año 2007 él mismo decidió transformar desde el "Marc" que le había acompañado desde su infancia hacia el "Mark" con el que desde entonces se le conoce. También ha sentido nuestro autor, profundamente, la polaridad entre dos comprensiones del Cristianismo: la católica -vinculada a la Francia de sus primeros años- y la protestante -más habitual en el norte de Alemania, el país que le ha acogido en los últimos años-. El compositor, que protagoniza este monográfico de Ars Sonora, representa de manera muy clara ese perfil más bien académico o institucional al que nuestro espacio también presta atención -junto a otros tipos de artistas que han desarrollado recorridos alternativos a ese itinerario que transita por los conservatorios, los conjuntos instrumentales, los encargos, los premios, los festivales y los auditorios más establecidos (y, acaso también por ello, más predecibles y en general menos abiertos a la innovación en cuanto a los formatos y los planteamientos estéticos)-. Sirve, pues, como contraste respecto a esas prácticas más experimentales y novedosas que, con más frecuencia, pueblan la programación de nuestro programa. La trayectoria formativa de Mark André confirma plenamente lo anterior, pues estudió en el Conservatorio Superior de Música de París (bajo la tutela de compositores tan señalados como Claude Ballif y Gérard Grisey), para después trabajar con Helmut Lachenmann en la ciudad alemana de Stuttgart. También en este país ha recibido numerosos galardones, como el Kranichsteiner de los Cursos de Verano de Darmstadt -donde André ha enseñado regularmente desde 1998-, la beca de la Akademie Schloss Solitude, el premio de composición de la Ópera de Frankfurt, el de la Fundación Ernst von Siemens, o la beca del Servicio de Intercambio Académico Alemán (DAAD) en la ciudad de Berlín, entre otros reconocimientos. La Bienal de Múnich -otro ejemplo de las prestigiosas instituciones en las que suele trabajar Mark André- fue testigo del estreno, en 2004, de "... 22,13... - A Music-Theatrical Passion", una ópera en tres actos para cantantes, instrumentos y electrónica en vivo, de la cual escuchamos un fragmento procedente del primer acto, titulado "... Das O... (A partir de 'El séptimo sello', de Ingmar Bergman')". Los problemas relacionados con la muerte y la trascendencia, en un sentido religioso, ocupan el centro de esta obra -como es el caso en tantas otras creaciones de Mark André-, y de hecho el propio título de la ópera remite al pasaje del Libro del Apocalipsis desde donde el compositor plantea estas cuestiones. Entre 2005 y 2007 el compositor escribió un tríptico sinfónico que culminó con la pieza para orquesta y electrónica en vivo titulada "... Auf... III". La idea de la Resurrección, entendida como una transición entre dos estados (materiales o espirituales), en este caso concebida a partir de la Pasión de Cristo, representa el núcleo conceptual de una obra cuya interpretación (que escuchamos íntegramente, en la versión del estreno mundial realizada en el Festival de Donaueschingen de 2007) protagoniza la Orquesta Sinfónica de la Radio del Sudoeste Alemán (SWR Sinfonieorchester), dirigida por Sylvain Cambreling. Estas dos primeras grabaciones que les ofrecemos en esta emisión de Ars Sonora han sido editadas por el sello NEOS gracias al apoyo de la Fundación BBVA, que viene realizando una fundamental labor de fomento y difusión del repertorio musical contemporáneo (también a través de la organización de conciertos y la concesión de diversos tipos de premios y ayudas a la creación). Las dos composiciones tienen en común, también con la tercera pieza que presentamos, la participación del Experimentalstudio de la Fundación Heinrich Strobel de Friburgo, un laboratorio de sonido actualmente vinculado a la SWR (la Südwestrundfunk, es decir, la radio del sudoeste de Alemania) que fue fundado en 1968 por el musicólogo Heinrich Strobel, y dirigido entre 1989 y 2005 por André Richard, quien fue profesor de Mark André en el uso del procesamiento de sonido en tiempo real. "Ab II", la última obra del compositor que presentamos en este monográfico, nos retrotrae al año 1997. Su plantilla incluye el clarinete contrabajo (aquí a cargo de Uwe Möckel), violonchelo (con Lucas Fels), címbalo (Françoise Rivalland), percusión (Christian Dierstein), piano (Klaus Steffes-Holländer) y electrónica en vivo (nuevamente a cargo del Experimentalstudio, dirigido por André Richard), y fue estrenada en el ZKM (Zentrum für Kunst und Medien -Centro para el Arte y los Medios-) de Karlsruhe (Alemania). Las tensiones entre lo finito y lo infinito -otra cuestión de implicaciones religiosas- presiden el núcleo poético de esta obra, que nos sirve para completar este mosaico dedicado a Mark André.

Sandra Santana (Madrid, 1978) viene realizando, además de su actividad como poeta y profesora de Filosofía en la Universidad de La Laguna, una comprometida labor de traducción que ya ha vertido a nuestro idioma algunos fundamentales trabajos de poesía experimental, especialmente entre los surgidos en lengua alemana. El más reciente fruto de este trabajo es la publicación, por primera vez en castellano, de la obra del poeta vienés Ernst Jandl (1925-2000), en una antología compilada por la propia Santana y titulada "Si no puede hacer nada por su cabeza, al menos arréglese la gorra", un volumen editado por Arrebato Libros gracias a la colaboración del Foro Cultural de Austria en Madrid. En esta edición de Ars Sonora nos adentramos en la poética de Jandl a través de esta antología -que recoge poemas escritos entre 1952 y 1989-, prestando una particular atención a la influencia del autor austriaco no solamente como poeta, sino también como artista sonoro y performer. Para ello contamos con el testimonio de Pepe Olona, director de Arrebato Libros y responsable de esta publicación, que nos ayuda a contextualizarla en el panorama literario hispano, y, más específicamente, dentro de su propio trabajo editorial. Nos acompaña igualmente, por vía telefónica, la poeta Isel Rivero, quien después de exiliarse de su Cuba natal en 1961 trabajó en misiones de paz y desarrollo de Naciones Unidas en ciudades como Nueva York, Viena, Namibia, Honduras y Ruanda hasta su establecimiento en Madrid en 1996, y que en Viena conoció personalmente a Jandl, así como a la poeta Friederike Mayröcker (nacida en 1924, también en Viena), quien acompañó a Jandl durante una larga etapa de su vida. También escuchamos a la poeta Lola Nieto, que desde Barcelona nos describe cómo la obra de Jandl -y, en especial, la constante presencia del humor en toda ella- se relaciona con su propio trabajo, y además nos regala una interpretación de "wien: heldenplatz", poema de Jandl escrito en 1962 (pero basado en sus propios recuerdos del mitin de Adolf Hitler celebrado en la Heldenplatz vienesa el 15 de marzo de 1938), a partir de la versión en castellano realizada por Sandra Santana. Se suma a este conjunto de voces -y a estos juegos de versiones y perversiones- la del poeta Ignacio Vleming, quien ha recreado en formas tradicionales de nuestro idioma (como sonetos de versos blancos y liras) las traducciones de Santana de textos jandlianos como "Niño y piedra" o "Sentencia". Todas estas intervenciones se acompañan de la audición de la voz del propio Ernst Jandl -que nos dejó grabadas numerosas interpretaciones de sus propios poemas-, así como de sus trabajos radiofónicos, en ocasiones lindantes con la creación musical electroacústica. Recordamos y reivindicamos, así, la figura de un poeta que hasta ahora no había sido traducido en España, pero que puede aportar mucho a nuestro panorama literario actual, especialmente por la libertad con la que se expresó Jandl a través de -en palabras de Sandra Santana en el prólogo a esta antología- “poemas sonoros, poemas silenciosos, susurrados, gritados, visuales, invisibles; piezas teatrales, piezas para la radio... Jandl escribió todo tipo de poemas, en todo tipo de formas, y para cada una de ellas inventó un nuevo juego con sus propias reglas”. =

Con motivo de la visita a España de Alan Courtis (nacido en Buenos Aires en 1972), conversamos en nuestros estudios con este músico de amplios intereses (improvisador, compositor, artista sonoro...). Si bien el paso de Courtis por nuestro país propició la presentación de algunos de sus trabajos en el ámbito del grafismo musical (dentro de una exposición organizada en la sala Cruce de Madrid que fue coordinada por Wade Matthews), así como algunos conciertos que reflejaron su trabajo en solitario, en esta edición de Ars Sonora nos centramos en sus experiencias en torno al grupo Reynols, del que formó parte junto a Roberto Conlazo, Christian Dergarabedian (quien participó en la grabación de los dos primeros cassettes para luego desvincularse del conjunto) y Miguel Tomasín, músico con síndrome de Down que, además de tocar la batería, se desempeñó en muchos otros instrumentos, y asumió el rol de líder de la banda. Reynols se formó en 1993, por lo que recientemente ha celebrado su vigésimo quinto aniversario, y con ese motivo el sello discográfico noruego Pica Disk ha editado un conjunto que reúne -bajo el título "Minecxio Emanations 1993-2018"- seis CD y un DVD (los documentos audiovisuales contenidos en este último recibieron su primera presentación pública en una sesión celebrada en el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes de Madrid, aprovechando el paso de Alan Courtis por esta ciudad). Nosotros repasamos los contenidos de este nutrida antología, en el que se incluyen algunas grabaciones inéditas, así como registros descatalogados desde hace tiempo. Esta selección musical, que atraviesa géneros como la electroacústica, el rock y el jazz experimentales, el ruidismo, la música ambiental, etc. se acompaña, además, de algunos comentarios expresamente registrados (gracias a la generosa ayuda de Alan Courtis) por Miguel Tomasín y Roberto Conlazo para nuestro programa. Su escucha complementa, pues, la de un anterior monográfico de Ars Sonora dedicado a Reynols, emitido el 22 de agosto de 2009 (y disponible gratuitamente, como todas las demás emisiones de la etapa actual de nuestro espacio, a través del podcast de Radio Clásica), y desarrolla aquellas reflexiones acerca de un excepcional conjunto que -por diversas razones, que también analizamos en este programa- alcanzó una enorme notoriedad y repercusión mediática

En esta edición de Ars Sonora repasamos algunas de las más relevantes publicaciones relacionadas con el arte sonoro y las músicas experimentales aparecidas en los últimos meses. Comenzamos con la recensión de "Un recuerdo al futuro", de Luciano Berio (publicado por la editorial Acantilado en traducción de Rosa Rius y Pere Salvat). El libro recoge las seis conferencias que Berio impartió en la Universidad de Harvard a principios de los años noventa del pasado siglo, y constituye un documento ejemplar del pensamiento -no solo musical- de un autor muy tempranamente abierto a lo que más adelante devendrían preceptos de la posmodernidad. Aunque Berio (1925-2003) perteneció a la misma generación que Boulez, Stockhausen, Nono... su estética siempre acogió un lirismo desconocido en sus compañeros, así como una cercanía hacia las músicas populares y el folclore que resuena, cada vez más intensamente, con nuestra contemporaneidad, y así se manifiesta en este oportuno texto. Las referencias a la tradición, tan presentes en la obra de Berio, nos permiten saltar hacia el pasado (sin abandonar el contexto cultural italiano) para celebrar otro reciente acontecimiento editorial. Dobra Robota, editorial argentina surgida en 2016 (pero distribuida en España a través de las librerías El Argonauta y Laie), nos trae la más amplia versión disponible en nuestro idioma de "El arte de los ruidos", el manifiesto futurista escrito por Luigi Russolo en una carta dirigida en 1913 al compositor Francesco Balilla Pratella, que nos llega en una traducción de Gabriela de Mola prologada por el compositor italiano Luciano Chessa. La misma editorial, Dobra Robota, también ha alumbrado en los últimos meses otros dos títulos que comentamos en este monográfico. Por un lado, "Aphex Twin: Selected Ambient Works Volume II", de Marc Weidenbaum, y por otro "The Velvet Underground: The Velvet Underground & Nico", de Joe Harvard (ambos traducidos por Juan Pablo Martese, en el segundo caso en colaboración con Ariel Pukacz). Los dos títulos pertenecen a la colección 33 1/3, originalmente publicada -en inglés- por la editorial Bloomsbury, y dedicada a analizar discos fundamentales del pop-rock (en estos casos, en sendas derivas tendentes hacia el ambient y el minimalismo de toques ruidistas). Si los dos títulos anteriores nos hacían viajar, respectivamente, hacia 1994 (fecha de edición del disco "Selected Ambient Works Volume II", de Aphex Twin) y 1967 (cuando vio la luz "The Velvet Underground & Nico"), ahora retornamos hacia principios del siglo XX -y, de hecho, a un contexto próximo a las vanguardias encarnadas en "El arte de los ruidos"-. La Universidad de Castilla-La Mancha, a través de su servicio de publicaciones, nos trae "La última alegría", una amplia y muy documentada recopilación de textos de Emmy Hennings, en una traducción de José Luis Reina Palazón editada por José Antonio Sarmiento. Emmy Hennings (1885-1948), cofundadora del Cabaret Voltaire de Zúrich, fue una de las figuras más representativas del dadaísmo como escritora, actriz, bailarina, cantante, amante, musa, drogadicta, etc. Este volumen contiene la traducción de una importante selección de sus obras, además de su correspondencia con figuras como Hugo Ball, Tristan Tzara, Else Lasker-Schüler, Julio Álvarez del Vayo y Herman Hesse, entre otros. Desde la mencionada Universidad de Castilla-La Mancha, el profesor que introdujo en la academia española los estudios sobre arte sonoro protagoniza otro relevante título: "Tres trabajos de clase coordinados por José Antonio Sarmiento y un proyecto de investigación dirigido por Isidoro Valcárcel Medina en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca". La revisión de este cuaderno nos permite adentrarnos en un texto también muy reciente, e igualmente valioso: "Disputas sobre lo contemporáneo. Arte español entre el antifranquismo y la postmodernidad", de Juan Albarrán Diego (profesor en el Departamento de Historia y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid). Se trata de una publicación de Exit Imagen y Cultura, la editorial dirigida por Rosa Olivares. El libro analiza, a través de una serie de casos de estudio, algunos de los principales discursos que han cimentado diversos modelos interpretativos desde los que resulta posible valorar la producción artística del pasado, legitimar la del presente, y orientar la del futuro. Nuestros comentarios acerca de estas publicaciones se acompañan de la escucha de fragmentos de las siguientes obras: "Visage", de Luciano Berio -con la voz de Cathy Berberian-; varios fragmentos con recreaciones de los "Intonarumori" (o "Entonarruidos") creados por Luigi Russolo; "Selected Ambient Works Volume II", de Aphex Twin; "All Tomorrow's Parties", de The Velvet Underground & Nico; algunos poemas fonéticos de Hugo Ball, como "Gadji Beri Bimba" o "Wolken"; y un fragmento de la obra (aún inédita) de Isidoro Valcárcel Medina, producida gracias a Radio Clásica por Miguel Álvarez-Fernández, que lleva por título "Echa por la sombra".