L'Épopée des musiques noires

À 82 ans, l’illustre Kenny Barron réalise un rêve : accueillir les plus belles voix d’aujourd’hui sur ses propres compositions. Pour l’occasion, le maestro a souhaité réunir des tonalités originales et des textures vocales adaptées à son répertoire. Kurt Elling, Tyreek McDole, Cécile McLorin Salvant, Ekep Nkwelle, Catherine Russell, entre autres, ont relevé le défi et magnifié l’album Songbook du génial pianiste. Il nous en parle avec passion et générosité…
Accompagner les meilleurs interprètes du jazz n’est pas vraiment une nouveauté pour Kenny Barron qui, de longue date, a mis son talent au service de personnalités comme Chet Baker ou Ella Fitzgerald. Toujours à l’écoute de son environnement sonore, ce merveilleux instrumentiste a épousé avec goût et délicatesse les évolutions stylistiques de ses contemporains. Déjà en 1964, aux côtés du trompettiste Dizzy Gillespie, il virevoltait sur les accents bossa nova en vogue à l’époque. Né en 1943 à Philadelphie, Kenny Barron fait partie d’une génération qui a connu les pionniers, les a observés et s’en est inspiré. Ses héros s’appelaient Tommy Flanagan et Thelonious Monk dont les ornementations swing diamétralement opposées le fascinaient.
Toujours prompt à tenter des expériences, Kenny Barron n’a jamais hésité à confronter son jeu à celui d’autres virtuoses aguerris. C’est ainsi qu’en 1990, il partit en tournée avec 9 autres pianistes de renommée internationale dont Hank Jones, John Lewis, Cedar Walton, entre autres. Cette série de concerts nommée « 100 Golden Fingers » fut l’un de ses meilleurs souvenirs car il était le plus jeune de l’orchestre et partageait la scène avec ses mentors. Une telle aventure musicale jubilatoire est à l’image de Kenny Barron, un artiste ouvert, attentif, d’une rare humilité, un « éternel étudiant », comme il aime à le répéter. L’audace de la nouveauté ne l’effraie pas. N’avait-il pas choisi de dialoguer en 1996 avec le percussionniste Mino Cinelu sur l’album Swamp Sally ? Ne s’était-il pas plongé dans les rythmes du Brésil avec le Trio Da Paz en 2002 ? N’avait-il pas enregistré en 2022 un album solo au Théâtre de l’Athénée à Paris ? Kenny Barron aime les challenges et les relève souvent haut la main.
Le « Songbook » qu’il dévoile aujourd’hui lui permet d’explorer les différentes cultures musicales héritées de « L’épopée des Musiques Noires », le calypso, le blues, le jazz, avec une maîtrise indiscutable et un élan mélodique unique. Kenny Barron est un artisan précieux qui a su modeler si précisément son expressivité qu’elle en devient son empreinte. Son dernier concert au Théâtre du Châtelet à Paris, le 9 février 2026, en fut une lumineuse démonstration.
⇒ Le site de Kenny Barron.
Titres diffusés cette semaine :
- « Cook’s Bay » par Kenny Barron (feat. Ann Hampton Callaway)
- « Calypso » par Kenny Barron (feat. Tyreek McDole)
- « Fiesta Mojo » par Dizzy Gillespie (feat. Kenny Barron)
- « Minor Blues Redux » par Kenny Barron (feat. Catherine Russell).

Le 7 février 2026, un mois seulement après avoir fêté son 90ème anniversaire, le chanteur, guitariste, chef d’orchestre et compositeur ghanéen, Ebo Taylor nous quittait à jamais livrant à la postérité un patrimoine musical inestimable. Considéré comme l’un des pères fondateurs du Highlife moderne, ce brillant instrumentiste fut un esprit futé qui comprit assez rapidement combien l’apport d’autres formes d’expression pouvait nourrir son inspiration et sa musicalité.
Né à Cape Coast au Ghana, le 7 janvier 1936, Ebo Taylor vit ses années de jeunesse sous domination britannique, mais cette proximité avec la culture anglo-saxonne a une vertu. Elle lui facilite les voyages vers l’Europe à travers des échanges scolaires propices à l’enseignement musical. Cette opportunité de peaufiner ses connaissances stylistiques lui ouvre les oreilles. La musique classique européenne, le jazz américain, les rythmes caribéens, font une entrée fracassante dans son univers sonore et inclinent ses élans créatifs vers une fusion multicolore assumée. Au même moment, son futur alter ego nigérian, Fela Anikulapo Kuti, remet également en question les traditions ancestrales et se tournent à son tour vers un swing novateur. L’afrobeat est en gestation. Nos deux compères apprennent simultanément à mâtiner leur idiome naturel de rythmes et d’harmonies suffisamment riches et inattendues pour faire évoluer leur identité artistique.
Le Highlife et l’Afrobeat se ressemblent mais ces deux vocabulaires spécifiques traduisent des destinées, des épopées, des histoires sociales inhérentes à chaque peuple. Ebo Taylor attachait de l’importance à ce poids patrimonial massif qui définit une communauté, et s’il jouait malicieusement avec les codes de la musique traditionnelle ghanéenne, il en respectait les racines. Il n’était d’ailleurs pas rare qu’il mentionne l’un de ses mentors, Jacob Sam, instigateur du Highlife originel, comme pour réaffirmer son appartenance à une lignée de musiciens valeureux et authentiques. Certes, il citait également Charlie Parker, Cole Porter, Hoagy Carmichael, George Gershwin, Johannes Brahms et Piotr Ilitch Tchaikovsky, parmi ses compositeurs préférés, mais il revenait toujours à l’essence de l’ethnie Fanti dont les rites l’habitaient toujours.
Ebo Taylor a bousculé les normes et fait jaillir une nouvelle manière de modeler le Highlife de ses aînés. Il a relevé le défi insensé de s’inscrire dans son temps sans trahir l’âme des pionniers. Il est juste regrettable que son aura n’ait jamais atteint l’universalité à laquelle il pouvait prétendre. Les tentatives du label Strut Records de le replacer dans le feu des projecteurs furent, certes, fort utiles mais tellement éphémères. Son nom réapparut, au début des années 2010, et suscita la curiosité d’une nouvelle génération d’auditeurs dont la mission sera désormais de perpétuer son message et de préserver son œuvre.
Titres diffusés cette semaine :
- « Kruman Dey » par Ebo Taylor (2012)
- « Parker’s Mood » par Charlie Parker (1948)
- « Fingerpickin’ » par Wes Montgomery (1958)
- « Heaven » par Ebo Taylor (1977)
- « Appia Kwa Bridge » par Ebo Taylor (2012).

Il ne fallait pas moins de 20 CDs pour honorer la mémoire du regretté producteur, compositeur, arrangeur et trompettiste afro-américain Quincy Jones, disparu le 3 novembre 2024 à 91 ans. L’anthologie qui paraît aujourd’hui ne s’arrête pas seulement sur les œuvres les plus connues de l’artiste. Elle met l’accent sur certaines facettes du personnage trop souvent omises des rétrospectives et, notamment, sa passion pour le cinéma et, singulièrement, les musiques de films.
 
Stéphane Lerouge, concepteur du coffret « The Legacy of Quincy Jones – 1951/2023 » nous en dit plus.
Qu’avons-nous retenu de la lumineuse destinée de Quincy Jones ? Le réflexe serait de mentionner immédiatement ses collaborations fructueuses avec Michael Jackson. Cette partie émergée de l’iceberg cache certainement d’autres trésors musicaux inestimables. De sa première prestation en qualité de trompettiste en 1951 dans l’orchestre de Lionel Hampton à sa dernière session de studio en 2023 pour diriger l’enregistrement du thème générique de la série « Peter Gunn », 70 ans se sont écoulés et le patrimoine artistique légué par ce grand personnage se délecte sans modération.
En suivant l’ordre chronologique des œuvres de Quincy Jones, on note instantanément l’évolution progressive d’un homme pressé d’apprendre, de se perfectionner, de faire tomber les barrières raciales et culturelles, de dépasser les limites imposées par l’esprit étriqué d’une société américaine trop conservatrice. Son choix de suivre les conseils de la grande pédagogue, Nadia Boulanger, à la fin des années 50, lui révèle des perspectives d’avenir insoupçonnées. Qu’il crée son propre Big Band, qu’il signe les arrangements de nombreuses productions cinématographiques, qu’il produise les albums de ses compagnons de route, l’exigence est la même. Quincy Jones ne veut pas être un compositeur afro-américain de plus dans l’industrie discographique, il veut faire oublier sa couleur de peau et imposer son statut de créateur capable de maîtriser avec le même enthousiasme différents langages harmoniques et rythmiques, le répertoire classique européen comme l’héritage du blues ancestral.
Il est un citoyen attentif aux métamorphoses sociales de son temps et flaire assez vite les potentiels soubresauts de son environnement sonore. Si le swing nourrit toutes ses fulgurances stylistiques, d’autres sources d’inspiration guident ses pas. Il devient ainsi un personnage incontournable capable de devancer les attentes de ses interlocuteurs. « The Legacy of Quincy Jones – 1951/2023 » révèle la maestria multidisciplinaire d’un artisan fascinant.
⇒ Quincy Jones.
Titres diffusés cette semaine :
- « Soul Bossa Nova » - Quincy Jones (1962)
- « Kingfish » - Lionel Hampton Orchestra (Featuring Quincy Jones) (1951)
- « In the Heat of the Night » - Ray Charles (1967)
- « Miss Celie’s Blues » - Tata Vega (1985).

Le Gangbé Brass Band veille vaillamment depuis 35 ans à restituer le message des pionniers africains partis, souvent contre leur gré, vers les Amériques. From Ouidah to Another World ne raconte pas seulement la lente et douloureuse traversée transatlantique d’hommes et de femmes asservis pendant des siècles, mais aussi l’apport progressif de traditions, de rites, de codes, dont l’élan multiculturel a modifié le cours de l’histoire.
Narrer une aventure humaine tragique ne doit pas seulement être l’addition de commentaires nourris de sentiments victimaires. Il est plus constructif de tirer les enseignements d’un drame humain et de tendre la main dans un esprit de concorde et d’apaisement. C’est l’intention d’Athanase Obed Dehoumon, pilier du Gangbé Brass Band, dont la générosité de cœur l’invite à regarder le présent avec acuité et l’avenir avec espoir. Il n’est pas naïf, il sait que l’enjeu est de taille dans un monde toujours agité par des guerres et confrontations insensées, mais il veut croire en la bonté humaine et encourage la tempérance et l’écoute. Pour cela, il s’est entouré de ses fidèles compagnons du Gangbé Brass Band, mais a aussi fait appel à quelques invités de marque, le guitariste Lionel Loueke et la chanteuse Angélique Kidjo, notamment.
Musicalement, la flamme afrobeat du Gangbé n’a pas vacillé. Il faut dire que cette matrice sonore repose sur une connaissance parfaite de cet idiome musical façonné par le regretté « Black President », Fela Anikulapo Kuti, dont Athanase et ses comparses se réclament en toute humilité. Ils ont d’ailleurs maintes fois côtoyé la famille Kuti, joué avec le fils Femi Kuti, fréquenté le Shrine à Lagos et salué la mémoire de leur illustre aîné. Pour autant, il serait injuste de réduire la tonalité de cette imposante formation cuivrée à cette seule humeur musicale nigériane. Le Gangbé puise sa force expressive d’autres sources d’inspiration. Le jazz américain et les rythmes caribéens dessinent les contours d’une créolité assumée.
Cette richesse harmonique sied divinement à ces instrumentistes virtuoses qui louent incessamment les vertus du dialogue. Si la complainte du blues n’est jamais éludée, elle ne décide pas, seule, de l’intention artistique du répertoire. Athanase Obed Dehoumon et ses acolytes font scintiller les mille et une nuances stylistiques des patrimoines afro-planétaires. De « La porte du grand retour » à « La complainte pour un déporté », de « Vignon » à « Ouidah Spiritual », toutes les émotions nous étreignent et éveillent en nous cette petite lueur résiliente qui défie l’inéluctable.
Le Gangbé Brass Band se produira le 5 février 2026 au New Morning à Paris dans le cadre du festival « Au fil des voix ».
⇒ Gangbé Brass Band sur Media Nocte
⇒ Gangbé Brass Band au New Morning.
 
Titres diffusés cette semaine :
« Ayé » (Featuring Angelique Kidjo) par le Gangbé Brass Band
« Complainte pour un déporté » par le Gangbé Brass Band
« Vignon » par le Gangbé Brass Band
« Remember Fela » par le Gangbé Brass Band.

La distance géographique n’interdit pas la complicité artistique. Grant Haua est néo-zélandais. David Noël est béarnais. Tous deux revendiquent une culture profondément enracinée dans un territoire qu’ils chérissent. À vingt mille kilomètres l’un de l’autre, ils sont parvenus à s’entendre à travers une lecture musicale commune pétrie de blues, de soul, de folk. Two Roots est le fruit de cet échange productif très inspiré.
Au-delà de leur passion commune pour les musiques africaines-américaines, Grant Haua et David Noël partagent une vision altruiste du monde, respectueuse des identités culturelles autochtones. Ils ont conscience que leur dialogue ne peut avoir lieu que par la volonté farouche de se comprendre et de s’accepter. Cet effort-là n’en fut finalement pas un car, curieusement, leurs terres d’origine se ressemblent. Les paysages néo-zélandais et béarnais sont semblables. La faune et la flore paraissent issues du même terreau. Ce seul constat les a rapprochés et une camaraderie sincère a scellé leur union musicale transcontinentale. En s’apprivoisant l’un l’autre, il se sont découvert des points communs qui dépassent le simple projet discographique.
La musique est un langage universel qui permet de transmettre des messages clairs à un public très vaste. Alors que la planète vit de plus en plus violemment les dérèglements climatiques, interroger le public sur ses choix est une exigence que nos deux compères entendent bien porter à travers leurs œuvres. « Ce message se retrouve d’ailleurs dans « What have we done », l’une de mes chansons préférées de l’album. Un titre comme celui-ci permet aux gens de réfléchir à leur rôle individuel et collectif. Ce n’est finalement qu’une petite piqûre de rappel pour que chacun d’entre nous se sente concerné par les évolutions du monde. C’est une manière de dire qu’il faut se mettre à la place de ses contemporains et essayer de les comprendre. Ce n’est pas qu’une question environnementale, c’est savoir être à l’écoute de son prochain. Une chanson comme « What have we done » a une valeur sociale qu’il ne faut pas éluder. Il suffit ensuite d’y ajouter quelques arrangements musicaux bien sentis et un riff de guitare ici où là, et le tour est joué ! ». (Grant Haua au micro de Joe Farmer)
L’art, et a fortiori la musique, ne peuvent se soustraire à l’intention politique ou à l’engagement citoyen. Le blues qui transpire dans le répertoire de messieurs Haua et Noël fut, et reste un vecteur de transmission idoine pour alerter, dénoncer, questionner, raisonner. Pour autant, le plaisir presque naïf de chanter ou de jouer d’un instrument doit conserver la fraîcheur et l’audace de l’authenticité. Adapter « My Sweet Lord » de George Harrison dans un idiome régional est, certes, une pirouette linguistique ludique mais aussi une prouesse qui prend tout son sens quand elle sert un propos multiculturel. C’est ce à quoi se sont attelés David Noël et Grant Haua dans cet album judicieusement nommé « Two Roots » (Deux Racines).
Retrouvez Grant Haua avec The Inspector Cluzo à Paris (La Maroquinerie), les 28, 29, 30 janvier et 1er février 2026
Retrouvez Grant Haua et David Noël avec The Inspector Cluzo à Paris (La Maroquinerie), le 31 janvier 2026
Retrouvez David Noël avec The Supersoul Brothers à Lescar (sud-ouest de la France), le 30 janvier 2026.
- Atua Blues : le choc des cultures entre Grant Haua et David Noël
- The Supersoul Brothers
- Grant Haua
Titres diffusés cette semaine :
- « I get the blues » par Grant Haua et David Noël extrait de l’album Two Roots 
- « Amazing Grace » par Grant Haua et David Noël extrait de l’album Two Roots 
- « What have we done » par Grant Haua et David Noël extrait de l’album Two Roots 
- « My sweet lord » par Grant Haua et David Noël extrait de l’album Two Roots.